Back to ’20s

Today the hat, despite several periods of disuse, is slowly returning to the fore because it’s a touch of individuality, far from its initial tradition, becoming less functional and more real fashion, ultimate accessory, almost an extension of the dress, thanks to the changing trends proposed by the designers.

It ‘s funny to see that in some cultures, almost the British one, the hat has never experienced declines and has always been an essential clothing accessory.
In Italy instead, the true golden age for the hat were the ’20s, when the exports throughout the world of hats were around 23 million and a half of male models. A very important  production for our country that has seen its decline since the mid ’50s. Man’s hat, the first symbol of elegance and essential accessory for a total look, it was gradually forgotten.

But I want to remember the beautiful, elegant and always chic shapes of hats of the ’20s and ’30s with some vintage illustrations and photos.

Indietro agli anni ’20

Oggi il cappello, nonostante vari periodi di disuso sta lentamente tornando alla ribalta, rappresenta un tocco di individualità, ben lontano dalla sua tradizione iniziale, diventando sempre meno funzionale e sempre più vero e  proprio fatto di moda, accessorio fondamentale, quasi un prolungamento dell’abito, grazie alle sempre nuove tendenze proposte dagli stilisti.

E’ curioso vedere però come in alcune culture, prima fra tutte quella inglese, il cappello non ha mai conosciuto declini ed è sempre stato un accessorio essenziale, se non obbligatorio, d’abbigliamento.

In Italia invece la vera età dell’oro per il cappello sono stati gli anni ‘20, quando si vantava l’esportazione in tutto il mondo di circa 23 milioni e mezzo di modelli maschili. Una produzione molto importante per il nostro paese che ha visto il suo declino dalla metà degli anni ‘50. Il cappello da uomo, prima simbolo di eleganza e accessorio indispensabile per completare il look, è stato via via dimenticato.

Ma voglio ricordare le bellissime forme, eleganti e sempre chic dei cappelli degli anni ’20 e ’30 con alcune illustrazioni e fotografie vintage.

Marc Jacobs in Wonderland

The autumn-winter 2012/2013 collection by Marc Jacobs presented at the New York Fashion Week 2012, seems like something out of the movie “Alice in Wonderland”: the atmosphere is inspired by a fairy tale, the models are transformed into modern witches, wrapped in long coats and skirts, big scarves, crystals and feathers embellished dresses, shiny shoes eighteenth century style. But the hallmark of this collection is definitely the hats, fur hats, solid or striped, but strictly oversized, big up to exaggeration, eccentric, baroque. Jacobs makes this accessory a true monument: you can only catch a glimpse of models’s faces due to the wide brims, alternating and disappearing in a polar and fairytale setting in which hats reign protagonists.

Marc Jacobs nel Paese delle Meraviglie

La collezione autunno-inverno 2012/2013 di Marc Jacobs presentata alla New York Fashion Week 2012, sembra uscita dal film di “Alice nel Paese delle Meraviglie”: l’atmosfera si ispira alla favola, le modelle si trasformano in moderne streghe, avvolte in gonne e cappotti lunghi, sciarpone, abiti impreziositi da cristalli e piume, scarpe lucide stile Settecento. Ma il tratto distintivo di questa collezione sono sicuramente i cappelli, di pelo, a tinta unita o striati, ma rigorosamente oversized, grandi fino all’esagerazione, eccentrici, barocchi. Jacobs fa di quest’accessorio un vero e proprio monumento: i visi delle modelle si possono solo intravedere a causa dalle larghe falde, alternandosi e scomparendo in una scenografia polare e fiabesca in cui il cappello regna protagonista.

Akio Hirata hats exhibition in Tokyo

Born in 1925, Hirata immersed himself in hat design at the tender age of 14. In 1962 he travelled to Paris to serve as apprentice to Jean Barthet, one of France’s most prominent milliners with a clientele that included Grace Kelly and Sophia Loren. Upon returning to Japan he established Haute Mode Hirata, and went on to design hats for the likes of Issey Miyake, Comme des Garçons and Yohji Yamamoto. In response to a request from Rei Kawakubo (Comme des Garçons) to design a hat that looks like “it had been left unused in someone’s dresser,” Hirata once famously created a hat adorned with crushed flowers. After over seventy years of work Akio Hirata has earned a place  in the narrowest Olympus of  hats designers, and now Tokyo  celebrates the originality, innovation and craftsmanship of his work. The layout design of Fumihiko Maki’s Spiral Building in Tokyo is due to another great Japanese designer, Oki Sato of Nendo, which has created for the occasion, a stretch of about 3,000 white hats, suspended like a vortex at different height levels, on which Hirata ‘s creations get away for color  and morphological differences. More newsworthy is the fact that  just a hundred of these 3,000 hats was designed and built by master Hirata.  And the others? Simple, they’re ghost-hats of Smash, a nonwoven polyester fabric developed by Asahi Kasei textile firm, the antithesis of handmade hats by Hirata. The hats are suspended from the ceiling with transparent nylon thread at different heights to evoke the impression of hats in the wind. Visitors are invited to wander freely through this highly theatrical setting, according to an unconventional and not driven walk, in order to capture in depth the random generation process, crossed by a strong contingent and emotional inspiration element that has allowed the designer to become one of the most acclaimed actors of the global fashion scene.

I cappelli di Akio Hirata in mostra a Tokyo

Nato nel 1925, Hirata si è immerso nella progettazione cappello alla tenera età di 14 anni. Nel 1962 si recò a Parigi come apprendista di Jean Barthet, una delle modiste più importanti della Francia, con una clientela che comprendeva Grace Kelly e Sophia Loren. Al suo ritorno in Giappone ha stabilito Haute Mode Hirata, ed ha continuato a disegnare cappelli per artisti del calibro di Issey Miyake, Comme des Garçons e Yohji Yamamoto. In risposta ad una richiesta di Rei Kawakubo (Comme des Garçons) per progettare un cappello che sembrasse “essere stato lasciato inutilizzato nell’armadio di qualcuno”, il famoso Hirata ha creato un cappello ornato di fiori schiacciati. Dopo oltre settant’anni di attività lavorativa Akio Hirata si è guadagnato in patria e all’estero un posto nel più ristretto olimpo di designer di cappelli e ora Tokyo gli dedica una retrospettiva volta a celebrare l’originalità, l’innovazione e la capacità artigianale del suo lavoro. A progettare l’allestimento del Fumihiko Maki’s Spiral Building a Tokyo, troviamo un altro grande del design giapponese, Oki Sato, di Nendo che per l’occasione ha ideato una distesa di circa 3.000 cappelli bianchi, sospesi come in un vortice a diversi livelli di altezza, su cui far staccare per differenza cromatica e morfologica le creazioni di Hirata. Tuttavia, ciò che fa ancora più notizia è il fatto che di questi 4.000 cappelli appena un centinaio è stato disegnato e realizzato dal maestro Hirata. E gli altri, allora? Semplice, si tratta di cappelli-fantasma in Smash, un tessuto non tessuto di poliestere sviluppato da un’azienda tessile Asahi Kasei, l’antitesi di cappelli fatti a mano con cura di Hirata. I cappelli sono sospesi al soffitto con fili di nylon trasparenti ad altezze diverse ad evocare l’impressione di cappelli al vento. I visitatori sono invitati a vagare liberamente, attraverso questa impostazione fortemente teatrale, secondo un percorso non convenzionale e non guidato, in modo da cogliere fino in fondo il processo di genesi casuale e attraversato da una forte componente di ispirazione contingente ed emozionale che ha permesso allo stilista di diventare uno dei più acclamati protagonisti della scena fashion mondiale.

Royal Ascot has celebrated 300 years

Royal Ascot has celebrated its 300th anniversary in 2011 and James Sherwood has documented three centuries of Ascot style. Time to don your hat and lengthen your hemlines; Royal Ascot, which opens tomorrow, is celebrating its 300th anniversary this year. To celebrate this landmark year for the racing event, James Sherwood, a well-known member of the Royal Ascot fashion team, has written a history of Ascot style, from when the course was founded by Queen Anne in 1711, until the present day, in a celebration of an event that has always had fashion close to its heart. With forewords by the Duke of Devonshire and designer, Amanda Wakeley, Fashion at Royal Ascot: Three Centuries of Thoroughbred Style (eThames&Hudson), illustrates in 500 pages the most eccentric and original creations, every Royal Enclosure trend throughout the years, with stunning photographs from the official archives. From Queen Anne’s crinolines and lace cuffs, to the fascinators and below-the-knee frocks favoured by race-goers today, it doubles as a fascinating commentary of high fashion over the past three centuries. The British Fashion Council (BFC) has further strengthened links with Ascot. Apart from introducing former-NEWGEN designer Todd Lynn to the Royal Ascot fashion show, which takes place in the Bessborough restaurant each day, they have arranged to import a ‘Headonism’ installation as well. Backed by the leading milliner, Stephen Jones, this display will feature creations by his four favourite emerging hat talents, Noel Stewart, Piers Atkinson, Soren Bach and J Smith Esquire. As well as Todd Lynn, creations by British designers Amanda Wakeley, Vivienne Westwood, Julien MacDonald and milliner, Stephen Jones will be gracing the catwalk at the annual fashion show.

Royal Ascot ha appena festeggiato 300 anni

Royal Ascot ha festeggiato nel 2011 il suo 300 ° anniversario, James Sherwood ha documentato tre secoli di stile Ascot. Per celebrare questo anno cruciale per la famosa corsa ippica, James Sherwood, un noto membro del gruppo di moda del Royal Ascot, ha scritto una storia sullo stile Ascot, da quando la corsa è stata fondata dalla Regina Anna nel 1711, fino ai giorni nostri, in una celebrazione di un evento che ha sempre avuto la moda vicino al suo cuore. Con prefazioni da parte del Duca di Devonshire e della designer Amanda Wakeley, Fashion at Royal Ascot: Tre secoli di stile purosangue  (eThames&Hudson), illustra in 500 pagine le creazioni più eccentriche e originali, ogni tendenza nel corso degli anni, con splendide fotografie dagli archivi ufficiali. Dalla crinolina e polsini di pizzo della regina Anna, ai fascinators e abiti al di sotto del ginocchio preferiti dai frequentatori dalla gara, è diventata un’affascinante cronaca di alta moda nel corso degli ultimi tre secoli. Il British Fashion Council (BFC) ha rafforzato ulteriormente i legami con Ascot. Oltre a introdurre l’ex stilista di NEWGEN Todd Lynn alla sfilata della Royal Ascot, che si svolge nel ristorante Bessborough ogni giorno, ha organizzato anche l’importazione di un’installazione ‘Headonism’. Sostenuta dal modista leader, Stephen Jones, questo display sarà caratterizzato dalle creazioni dei suoi quattro emergenti giovani designer di cappelli preferiti: Noel Stewart, Piers Atkinson, Soren Bach e J Smith Esquire. Così come Todd Lynn, le creazioni di stilisti britannici Amanda Wakeley, Vivienne Westwood, Julien MacDonald e il modista, Stephen Jones conquisteranno la passerella all’annuale sfilata.

Images from the book “Fashion at Royal Ascot” ed. Thames & Hudson. On sale on Amazon.it

Immagini dal volume “Fashion at Royal Ascot” ed. Thames&Hudson. In vendita su Amazon.it

Alexis Mabille

He is a young fashion talent. Class 1978, thirty-four years. It is said that even when he was a child he used to playing with needle, thread and scraps of cloth. Alexis Mabille made his debut in the Paris fashion by launching an idea that he wants to call “unisex couture”: his designs aren’t unisex, but in the sense that the philosophy behind the clothes is the same, both for men and for women. And it’s Couture. After working as first assistant of Hedi Slimane for Dior Homme jewelry collection, when Slimane was the head of the male line of Dior, Alexis Mabille has become popular due to its characteristic node, a versatile accessory that can change depending on requirements, in detail on one male suit or female dress. In the Haute Couture collection for the season S / S 2012, Mabille “unties the knot”: he transforms it into a giant flower that becomes ornament for her to show off the head, on a hat, but also on a straight shift dress, on a suit, on a cocktail dress and even on an evening gown. He choses the hat as a leitmotif of his whole line, and revisits the classic wardrobe of Parisian women: the little black dress, which now is colored with bright tones, with or without sleeves, round neckline or V; the yellowand polish pantsuit to wear with lace blouse and satin decorations and the inevitable evening dress, which Mabille interprets, transforming some elegant lingerie into couture dresses. Here then stiff corsets on the catwalk, from which start layers of chiffon that form a trail;  the long chiffon nude look, négligé style, and the red with ruffles along the shoulder that spiral around the body. The catwalk closes with a satin metallic wedding dress in bright gold.

A quote from Marcel Proust—”It is only women who do not know how to dress that are afraid of colors”—preceded a brief statement from Alexis Mabille about “the science of color” and energy as therapy. His show certainly promoted a fearless approach to color blocking. Each outfit was monochrome, from brightest red to palest blue, and each model’s face was painted the same shade as the enormous tissue flower mounted on her head.

Alexis Mabille

È un giovane talento della moda. Classe 1978, trentaquattro anni appena compiuti. Si narra che già da bambino giocasse con ago, filo e ritagli di stoffa. Alexis Mabille debutta nell’alta moda parigina lanciando un’idea che lui stesso vuole definire “couture unisex”, non perchè le sue creazioni siano unisex, ma nel senso che la filosofia che ispira gli abiti è la stessa, sia per gli uomini sia per le donne. Ed è la Couture. Dopo avere lavorato come primo assistente di Hedi Slimane per la collezione gioielli di Dior Homme, ancora quando Slimane era a capo della linea maschile di Dior, Alexis Mabille è diventato famoso grazie al suo caratteristico nodo, un accessorio versatile che si può modificare a seconda delle esigenze in dettaglio su un capo femminile o su un completo maschile. Per la collezione Haute Couture della stagione P/E 2012, Mabille “scioglie il nodo”: lo trasforma in un gigantesco fiore che diventa ornamento per lei da sfoggiare in testa, su un cappellino, ma anche su un tubino dritto, su un tailleur, su un abito da cocktail e addirittura su un abito da sera. Scelto il cappello come motivo conduttore di tutta la sua linea, Mabille rivisita il guardaroba classico della donna parigina: la petite robe noire, che si colora con i toni accesi, con e senza maniche, dalla scollatura rotonda o a V; il tailleur pantalone giallo e lucido da portare con camicetta di pizzo e decorazioni in raso e l’immancabile abito da sera. Che Mabille interpreta trasformando alcuni capi di lingerie elegante in abiti d’alta moda. Ecco quindi scendere in passerella dei corpetti rigidi, da cui partono strati di chiffon che vanno a formare uno strascico; il lunghissimo nude look di chiffon stile négligé e il rosso con ruche che dalla spalla percorre a spirale tutto il corpo. Chiude la sfilata un abito da sposa di raso metalizzato in colore oro brillante. Una citazione da Marcel Proust, “Sono solo le donne che non sanno come vestirsi che hanno paura dei colori”, ha preceduto una breve dichiarazione di Alexis Mabille su “la scienza del colore” e l’energia come terapia. Il suo show ha sicuramente promosso un approccio coraggioso al color blocking. Ogni abito era monocromo, dal rosso brillante al blu pallido, e il volto di ciascuna modella è stata dipinta con la stessa tonalità dell’enorme fiore di tessuto montato sulla sua testa.

Million Dollar Hat

The balinese princess and model Lindy Klim wearing the “million – dollar hat”, a very crazy hat studded with precious stones, diamonds, South Sea pearls and coloured gems.

Designed by Serena Lindeman, the hat was the highlight of Australia’s largest collection of accessories, the Millinery Collection Parade which was held in Melbourne in 2006.

Un cappello da 1 milione di dollari

La principessa balinese e modella Lindy Klim indossa il “cappello da un milione di dollari”, un cappello davvero pazzo, tempestato di pietre preziose, diamanti, perle di South Sea e gemme colorate.

Disegnato da Serena Lindeman, il cappello è stato il pezzo forte della più grande collezione australiana di accessori, la Millinery Collection Parade che si è svolta a Melbourne nel 2006.

Other hats from Millinery Collection Parade

Altri cappelli della Millinery Collection Parade

Hats: An Anthology by Stephen Jones

Hats: An Anthology by Stephen Jones—a collaboration between the Victoria and Albert Museum in London and Stephen Jones, the world’s foremost hat designer—is at the Bard Graduate Center (BGC) in New York City from September 15, 2011 to April 15, 2012. It is the first venue in this country. The exhibition, which had over 100,000 visitors at the V&A, displays more than 250 hats chosen with the expert eye of the master milliner.

On display are hats ranging from a twelfth-century Egyptian fez to a 1950s Balenciaga hat and couture creations by Jones and his contemporaries. To show the universal appeal of wearing hats, Jones has chosen a wide variety of styles such as motorcycle helmets, turbans, berets, and a child’s plastic tiara. There also are hats worn by celebrities such as Madonna, Brad Pitt and Keira Knightley. For the special exhibition at the BGC, the curators have arranged for loans particularly relevant to the United States, including Babe Ruth’s baseball cap, Mouseketeer ears, Estee Lauder’s turban, Halston bunny ears worn by Candace Bergen to Truman Capote’s Black & White Ball, and the top hat worn by President Franklin Roosevelt to his fourth inauguration. There is also a display of work by contemporary New York milliners: Ellen Christine, Rod Keenan, Eugenia Kim, Lola, Jennifer Ouellette, Albertus Swanepoel, and Patricia Underwood.

Stephen Jones said: “I was honored when the V&A asked me to curate an exhibition about hats. I had so much fun finding unique head decoration in the most interesting of places. This exhibition draws on millinery collections world-wide and is truly an eclectic and exciting anthology of hats from the last millennium to the present day.”

Stephen Jones spearheaded the fashionable revival of British millinery in the early 1980s. Using unusual materials and daring designs, his exquisitely crafted hats have pushed the boundaries of hat design forward for more than three decades. Jones has collaborated with many leading fashion designers including Marc Jacobs, Comme des Garçons, and Christian Dior. He has worked with many celebrity clients including Diana, Princess of Wales, Dita von Teese, Mick Jagger, and Rihanna, and has made hats for the filmsAtonement, Elizabeth: The Golden Age, Coco avant Chanel, and W.E.

The exhibition is divided into several sections that reveal the practice of creating hats, how they are worn, by whom, and how they are presented to the client.

Inspiration, the first section, looks at how common themes such as exoticism, modernism, and the natural world have inspired countless designers. It shows historic and contemporary interpretations of hat types such as the tricorn, bowler, baseball cap, bonnet, skullcap, and many more.

Creation shows how hats are made and the traditions, innovations, and practices at the heart of millinery. This area is set up like a milliner’s workroom, with patterns, sketches, materials, and millinery blocks.

The Salon reflects the milliner’s public showcase, featuring spectacular hats that reveal the craft at its sartorial best. On display are designs by Philip Treacy, Bill Cunningham, Mr. John, Lily Daché, Mitza Bricard for Christian Dior, Misa Harada for Yohji Yamamoto, and Chanel.

In The Client, visitors can see hats worn by famous clients including Sarah Jessica Parker, Mick Jagger, Brad Pitt, Cecil Beaton, members of the British royal family, and avid collectors such as Isabella Blow and Italian Vogue’s Anna Piaggi. Also on display will be iconic headwear such as Marlene Dietrich’s beret and Andy Warhol’s wig.

The exhibition also features a selection of archive film footage plus a film showing a couture hat being made in Jones’ atelier.

Hats: An Anthology by Stephen Jones

“Hats: An Anthology di Stephen Jones”, una collaborazione tra il Victoria and Albert Museum di Londra e Stephen Jones, il più grande designer di cappelli – è al Graduate Bard Center (BGC) a New York dal 15 settembre 2011 al 15 aprile 2012. E’ la prima volta in questo paese. La mostra, che ha avuto più di 100.000 visitatori al V&A, esibisce più di 250 cappelli scelti dall’occhio esperto del maestro modista.

In mostra sono cappelli che vanno da un fez egiziano del XII secolo, a un cappello Balenciaga del 1950 e altre creazioni di Jones e dei suoi contemporanei. Per mostrare il fascino universale dell’indossare cappelli, Jones ha scelto una grande varietà di stili, come caschi da moto, turbanti, baschi, e perfino una tiara di plastica di un bambino. Ci sono anche cappelli indossati da celebrità come Madonna, Brad Pitt e Keira Knightley. Per la mostra speciale al BGC, i curatori hanno concordato prestiti particolarmente rilevanti per gli Stati Uniti, tra cui il berretto da baseball di Babe Ruth, le orecchie Mouseketeer, il turbante Estee Lauder e il cilindro indossato dal presidente Franklin Roosevelt alla sua quarta elezione. C’è anche una mostra di opere di modiste contemporanee di New York: Ellen Christine, Rod Keenan, Eugenia Kim, Lola, Jennifer Ouellette, Albertus Swanepoel e Patricia Underwood.

Stephen Jones ha detto: “Sono stato onorato quando il V&A mi ha chiesto di curare una mostra sui cappelli. Mi sono divertito tanto a trovare copricapi unici nel più interessante dei luoghi. Questa mostra si basa su collezioni di modisti di tutto il mondo ed è veramente un’antologia eclettica ed emozionante di cappelli dal millennio scorso ad oggi.”

Stephen Jones ha guidato i modisti inglesi nella rinascita della moda nei primi anni del 1980. Utilizzando materiali insoliti e design audaci, la sua squisita fattura dei cappelli ha spinto i confini del design del cappello in avanti per oltre tre decenni. Jones ha collaborato con molti stilisti di moda tra cui Marc Jacobs, Comme des Garçons, e Christian Dior. Ha lavorato con clienti celebri tra cui Diana, principessa del Galles, Dita von Teese, Mick Jagger, e Rihanna, e ha fatto cappelli per il film Espiazione, Elizabeth: The Golden Age, Coco avant Chanel, e W.E.

La mostra è divisa in varie sezioni che rivelano la pratica di creare cappelli, come vengono indossati, da chi e come vengono presentati al cliente.

L’ispirazione, la prima sezione, guarda come temi comuni come esotismo, il modernismo, e il mondo naturale hanno ispirato innumerevoli designers. Essa mostra le interpretazioni storiche e contemporanee di cappelli come il tricorno, la bombetta, il cappello da baseball, la cuffia, la papalina, e molti altri.

La creazione mostra come sono fatti i cappelli e le tradizioni, innovazioni e pratiche nel cuore della modisteria. Questa zona è organizzata come un laboratorio di una modista, con modelli, schizzi, materiali, e blocchi di modisteria.

Il Salone riflette la vetrina pubblica dei modisti, con cappelli spettacolari che svelano il mestiere al suo meglio sartoriale. In mostra sono disegni di Philip Treacy, Bill Cunningham, John, Lily Daché, Mitza Bricard per Christian Dior, Misa Harada per Yohji Yamamoto, e Chanel.

Nel client, i visitatori possono vedere i cappelli indossati da personaggi famosi come Sarah Jessica Parker, Mick Jagger, Brad Pitt, Cecil Beaton, i membri della famiglia reale britannica e avidi collezionisti come Isabella Blow e la giornalista italiana  di Vogue Anna Piaggi. In mostra saranno anche cappelli iconici come il berretto di Marlene Dietrich e la parrucca di Andy Warhol.

In esposizione anche una selezione di filmati d’archivio più un film che mostra la realizzazione di un cappello nell’atelier Jones.

link: http://www.bgc.bard.edu/gallery/gallery-at-bgc/main-gallery/hats-stephen-jones.html

Cristóbal Balenciaga for Eisa, Spiral hat, Spain, Winter 1962

Simone Mirman, Langoustine Fantasia, London, ca. 1965

Bonnet, England, ca. 1835

Paulette, Turban hat, Paris, ca. 1960

Chris Clyne. Pierrot hat, 1979

Elsa Schiaparelli, Shoe hat, Paris, 1938

Graham Smith. Pirelli Tire, London, 1985

Philip Treacy. Feather hat, London, 1995

Jo Gordon. Kiss of Death

Stephen Jones, Pas de deux, 1982

Paulette. Paris, ca. 1955

Stephen Jones. Swing, Autumn/Winter, 2007

Stephen Jones. The Water is Wide 1940, Spring/Summer 2011

Givenchy. Hat, Paris, 1967-1970

Philip Treacy for Rifat Ozbek. Straw Rastafarian hat, London, 1991

Stephen Jones. Silk twist hat, London, 1982

Caroline Reboux. Hat worn by the Empress Eugénie, wife of Napoleon III, Paris, ca. 1865

Stephen Jones. Myra, Autumn/Winter, 2003

Eugenia Kim. Mickey, Autumn/Winter 1999

Woodward, Kirsten. Sex on the Brain, London, 1989 (designed), 1996 (made)

Christian Dior Haute Couture by Stephen Jones. Olga Shere inspiree par Gruau, Automn/Winter 2007-2008

Caroline Reboux. Hat and gloves, Paris, 1946

Student of the Institut Francais de la Mode. Hat with miniature boxes created for Anna Piaggi when she moved, 2001

Marshall and Snelgrove. Twisted straw hat, Europe or USA, ca. 1937

Soren Bach. Pom Pom hat, 2007

What’s your favorite one?

Qual’è il vostro preferito?

Merry Christmas!

I wish you a Merry Christmas and a new year full of surprises!

Even “a Girl in Wonderhats” wears the Santa’s hat, and if you have worn it too, send me your picture at: lucia@agirlinwonderhats.com and I will publish it in the next post dedicated to the Christmas hats!

Enjoy your Christmas holidays!!!

Buon Natale!

Ti auguro un Buon Natale e un Nuovo Anno pieno di sorprese!

Anche “a Girl in Wonderhats! indossa il cappello di Babbo Natale, e se lo hai indossato anche tu, mandami una tua foto a: lucia@agirlinwonderhats.com e io la pubblicherò nel prossimo post dedicato ai cappelli delle feste!

Buone vacanze!!!

All my “why”

Why have I decided to open this blog? Because I believe that “online-diary” is personal, but shared space, where I can express myself, sharing, talking with people who have passion for fashion and hats.
Why an hats’ blog? Because I think that hat is not just a “headdress”: it is an important element, through which you can express your personality, your mood as it is a real vehicle of communication.
Why today we don’t wear a hat anymore? That’s what I ask myself and what I would ask you too. Until ’50s hat was not considered an accessory, but it was an integral part of clothing, custom that has been lost. In some cultures (English, for example) this custom is still strong.

So, why Italians (country where I come from) don’t wear hats anymore?

Because hat is not fashion anymore?

Because it is unnecessary?

Maybe because we don’t have any “time”?

Or just because we have become less expressive?

Why this passion for hats? You’ll find out soon …

I miei “perché”

Perché ho deciso di aprire questo blog? Perché ritengo che il cosiddetto “diario online” sia uno spazio personale ma nello stesso tempo condiviso, dove poter esprimermi, condividere, dialogare con chi come me ha la passione per la moda e per i cappelli.

Perché un blog sui cappelli? Perché sono convinta che il cappello sia un importante elemento espressivo a disposizione di ciascuno di noi, perché non è solamente un semplice “copricapo”, ma uno strumento tramite il quale possiamo esprimere la nostra personalità, il nostro stato d’animo, un vero e proprio mezzo di comunicazione.

Perché oggi non indossiamo più il cappello? È proprio quello che mi chiedo e che vorrei chiedere anche a voi. Fino agli anni ’50 il cappello non era considerato un accessorio, ma era parte integrante dell’abbigliamento, costume che si è pian piano perduto. Eppure in alcune culture come ad esempio in quella inglese questa passione è ancora molto forte. Allora perché in Italia (Paese in cui io vivo e quindi realtà che conosco più da vicino) non lo indossiamo più?

Perché non è più di moda?

Perché è superfluo?

Perchè non abbiamo più “tempo”?

O solamente perché siamo diventati meno espressivi?

Perché questa mia passione per il cappello? Lo scoprirete prossimamente…